por Alberto Morate | Oct 14, 2019 | Reseña, Teatro
Barroquismo y La Mancha.
Literatura y teatro. Cervantes
mirando a la luna, canta y se inspira con enfebrecida pulsión de creatividad.
Duelos y quebrantos, adarga antigua, rocín flaco, galgo corredor. Don Miguel no
se cree él mismo lo que le está pasando. Y se le aparecen como por
encantamiento, el ama y Sansón Carrasco, los duques, la condesa de Trifaldi, es
decir la dueña Dolorida, y, por supuesto, don Quijote caballero y su fiel
Sancho, rústico y simplón. En procesión de abanicos y velos negros, por mor de
Clavijo, Antonomasia y Malambruno haciendo de las suyas, envíanle al famoso
Clavileño el Alígero, para desbarbar a las dueñas encantadas.
Irina Kouberskaya, escoge el capítulo de El vuelo de Clavileño de
la 2ª parte de El Quijote para hacernos una lectura totalmente barroca, de
fantasía, y poética, respetuosa, pero libre, descubriéndonos con ojos teatrales
la posibilidad intrínseca de crear sobre lo mágico, de no tomarlo como un
capítulo más, sino una verdadera recreación de los sentidos y los sentimientos,
de la relación cada vez más indisoluble de escudero y caballero, de
complementarse en vivencias, necesidad de no limitar ni ensoñación ni realidad.
El elenco, perfectamente
coordinado, entre la metáfora y la hipérbole, se mueven al unísono en un
equilibrado compendio teatral de movimiento, voces, entrega, pasión, juego
teatral. Y tanto don Quijote, Miguel
Pérez-Muñoz, como Sancho Panza,
grandísimo José Luis Sanz, recrean
la mítica pareja a imagen y semejanza de nuestras ilustres ideas preconcebidas
icónicas haciéndonos aún más valedores de estos personajes que forman parte de
nuestra propia idiosincrasia.
Nunca defraudan los montajes de
Irina Kouberskaya, porque lee los textos buscando lo escondido, lo
insospechado, lo intrínseco, lo visceral, y le da una vuelta de arte y belleza
llenos de esplendor para solaz de nuestras ávidas mentes de espectador.
por Alberto Morate | Oct 9, 2019 | Reseña, Teatro
Huir de la guerra, o sacar
provecho de ella. No amilanarse ante las circunstancias adversas. Tener el
valor para afrontarla, aunque haya que pagar un alto precio. La guerra nunca es
buena, pero si se puede hacer negocio mejor o, al menos, que no nos hunda en la
miseria. Tener coraje, decisión, subsistencia.
Madre Coraje arrastra
algo más que un carro con enseres, víveres, bártulos,… también lleva su propia
miseria. Primero sus hijos, después lo que venga. Pero sus hijos se van
perdiendo en el camino, la guerra no hace distinciones, o sobrevives o caes en
la cuneta.
Bertolt Brecht aprovecha su propio exilio, su huir de una guerra
que se avecinaba cruenta. No es que quiera sacar partido, como el personaje de
la historia, sino que lo necesita para concienciar a una humanidad depredadora
e insatisfecha. Para criticar desmanes que se hacen en nombre “de en una guerra
todo vale”, para provocar el efecto contrario, y poner en tela de juicio la
religión, la política, la economía, la sociedad sin metas.
Hay dolor humano y egoísmo y
mirada ciega. Sordomudez de la hija, falsa valentía de otro hijo, inocencia del
que le queda. Y Madre Coraje y sus hijos
fundiéndose en medio de la guerra con su carreta. Al final, ella sola frente a
desmanes, sufrimiento, soledad, tiranía, represión, su propia conciencia.
Ernesto Caballero, nos trae la guerra a un ambiente más cercano,
más recordable, más de nuestra época. Letras luminosas que nos indican las
escenas. Puede ser una gran guerra, una guerra de guerrillas, una contienda fratricida,
un enfrentamiento entre fronteras.
Respeta las canciones de Brecht,
el distanciamiento que el autor preconiza, porque no pretende que nos
solidaricemos con esa madre que pelea. Mantiene la poesía y la esencia de
Brecht, aunque sea de desgarro y miseria. Pelos sucios, trajes raídos, frío y
muerte, metal y paredes abiertas.
Los intérpretes sacan lo mejor de
su esencia. Blanca Portillo, en un
personaje duro no exento de humanidad, aunque lo disimule, no lo fuerza, lo
crea nuevo, le da firmeza. Paula Iwasaki
siempre acierta, con sus ademanes, con su voz, con su sola presencia. Jorge Usón, cargado de cierto
misticismo y pragmatismo en partes medias, quizá el más humano de todos, con
gran fuerza. Paco Déniz, el cocinero
que se aprovecha, que se muestra directo aunque oculta sus verdades y no es
como aparenta. Ángela Ibáñez, en el
personaje más desvalido que consigue ponernos un nudo en la garganta, como el
que tiene ella. Todos grandes, dando el todo por el todo, Compañía del Centro Dramático Nacional, calidad inmensa.
por Alberto Morate | Oct 8, 2019 | Reseña, Teatro
Pelucas, pelos, pelánganos,
peluquín,… y debajo, la cabeza y a saber lo que haya debajo de esta. De
momento, nada más principiar, tememos que se nos caiga el pelo por no leer bien
la sinopsis de la obra y creer lo que no era. A partir de ahí, carcajadas
lisonjeras.
Emma Basas y Judit Martín nos cantan y nos encantan. No tienen
pelos en la lengua. Ocho rostros inefables, cuerpos siesos y estirados las
acompañan y las observan. Cada uno de los maniquíes, aunque son iguales, son de
distinta manera. No podía ser de otra manera (y repito “manera” porque “forma”
no pega). En la historia de la humanidad y de las pelucas, todos somos
distintos de los pies a la cabeza.
Por eso, Under The Pelucas, nos
trae con humor inconexo, con gracia y sin desgracias, diferentes tipos de
personajes e ideas. DeJabugo y pata
negra. DeJabugo y peluca áurea y
bella.
Lo mismo hay conflicto
sobrehumano si una payasa no tiene peluca y nadie se la presta. Igual dos viejas
cuentan chistes de mariquitas con el mismo final y nadie se lo espera. Otros
personajes nos confiesan que andan buscando pareja. Dos moños muy moños andan a
la gresca. Un cataclismo nuclear puede desencadenarse al abrir la puerta. Hay
horror con las muñecas que nos cercan…
Cualquier cosa puede pasar con
estas dos actrices gamberras, que se ponen el mundo por montera con una peluca
en la mollera, que no tienen un pelo de tontas, que hablan y no se pelean, que
pelillos a la mar, lo ponen todo de cabeza, que peligra nuestro hipo de reír
sobremanera, que apelan al absurdo, pero estando bien cuerdas. Pasen y vean.
por Alberto Morate | Oct 8, 2019 | Música, Reseña
Académica Palanca y Mamá Ladilla son sendos grupos musicales que
querían escapar del panorama musical existente encorsetado, convencionalista y
estreñido de los años 90, más o menos. A través del humor, de letras
sarcásticas, de temas que van de la simple diversión a la crítica directa o
velada, ofrecen sus conciertos donde cada vez se hacen más populares y demandados.
Pero como son músicos de arraigo
y entrañas, pase lo que suceda, nunca dejarán de elaborar canciones, hacer
actuaciones, crear nuevos proyectos. Y así se sostienen. Y si quieren saber más
vayan a Wikipedia, que ahí vienen.
Hasta que, de repente, Miguel Vigil (Académica Palanca) y Juan Abarca (Mamá Ladilla) se
encuentran, se dan un abrazo y unen voces, músicas y cervezas manteniendo cada
uno sus temas, pero acoplándose cual crisálida en la noche de luciérnagas. Ole. Resultante: Académica Ladilla, o Mamá Palanca o “vigila y abarca” con la vista
y el oído el panorama de enfrente.
Y juntos recorren escenarios,
trovadores de la hora golfa, haciendo “de reír” con sus escalofriantes palabras
de veneno sarpulliente, con sus juegos de melodías en la medianoche, con la
simpatía innata de quien canta para no morir de oficina y levantarse a las
siete.
Y encima son generosos e invitan
a otros artistas a presentarse musicalmente. En esta ocasión, sábado de san
Froilán, (lo sé porque he mirado el almanaque), en la sala Tarambana nos vienen con Los
Cuerdos de Atar y sus instrumentos de tuberías de desagües, fontaneros
alegres con cerditos trompeteros y zapatillas de arrear fuerte.
Total, tres por uno que dan seis.
Si es que es un placer reír a mandíbula batiente.
por Alberto Morate | Oct 8, 2019 | Reseña, Teatro
Cuando una persona nos cala hondo
en el corazón no la olvidaremos nunca. Si esa persona es amiga entrañable
nuestra, la recordaremos en cada instante y no necesariamente con nostalgia, sí
con una gran sonrisa. Con la nostalgia, quizás, de que ya no lo volveremos a
ver, pero sabiendo que está en sus actos, en los recuerdos, en las anécdotas,
en el tiempo que pasamos junto a ella e, incluso, en los momentos más o menos
largos que no la viéramos.
Si esa persona, además, es de una
personalidad arrolladora, es un artista, una buena gente, tenía sentido del
humor, sabía escuchar, podía hablar y escuchar con atención, nos enriquecía con
su sola presencia aunque estuviera en silencio,… entonces tendremos la certeza
de que nunca dejará de ser nuestro amigo, de que nunca nos abandonará aunque no
esté físicamente, de que nunca perderemos su senda.
Y si además, nos quedan
testimonios, grabaciones, fotos, objetos, lugares, instantes compartidos, pues
querremos hablar de él y con él, tendremos la necesidad de contárselo a otros.
Eso ocurre con Rudy Chernicof, actor argentino, que
nos trae Por amor a Gila, su testimonio, su amistad, sus chistes, su
forma de ser, sus emociones, sus sentires, su humanidad desbordante.
El ruso, como le llamaban Gila y
otros, nos abre el salón de su casa y nos cuenta sobre una de las veces que
estuvo con el gran Miguel Gila. Cómo
intercambiaban ingenio, corazón, amistad, palabras, recuerdos.
Rudy lo hace emocionado,
queriendo transmitirnos solo una ínfima parte de la forma de ser y pensar de
Gila. Nos atrapa, nos lleva al terreno melancólico y a la risa, a contarnos de
primera mano que incluso los grandes artistas también son grandes personas.
Lo primero que me llama la
atención en el escenario es que no está el emblemático teléfono de Gila. No
hace falta. Chernicof cuando pone en boca de Gila sus palabras se encasqueta
una boina, pero tampoco haría falta. Valga como homenaje visual. Lo que sí es
importante y testimonial, además de todas las anécdotas ocurridas entre los
dos, son los documentos sonoros. La voz del propio Gila, no podía faltar, pero
también la del Nano, Joan Manuel Serrat, cantando a Miguel Hernández, porque el
humorista y el poeta coincidieron en la cárcel. Y el tango, y los pedos, y el
locutor que ensalza la figura del protagonista,… y nos hace integrarnos en esa
historia de recuerdos, en esa nostalgia alegre de comprobar que el genio sigue
tan cerca nuestro y tan vivo como el propio actor en ese momento.
¡Por Gila, por Chernicof, por el
humor, por cierto!
