Para escribir esta crónica no me
voy a basar tanto en el texto, ni en la interpretación, ni en la puesta en
escena. Todo ello, por otro lado, impecable. Me basaré en los sentimientos, en
las emociones encontradas, en los silencios, en lo que se dice, en lo que pasó,
en lo que sucederá después.
Quiero creer que los tiempos en
los que hay que ocultar la condición sexual, sea cual sea, están pasando. Que
no se toma como capricho, ni mucho menos como enfermedad que hay que curar, que
es hermoso sentir el amor venga de donde venga, que no debe perderse la palabra
por no atreverse a confesarse el cariño.
Hay que encontrar esa palabra en
el desván oscuro y dar a conocer los secretos. Enredarse en la luz dejando
atrás las sombras. Hablar el mismo idioma. Cantar las mismas canciones. Más,
tratándose de madre e hijo, porque entre ellos siempre habrá comprensión de
sobra.
Las nubes blancas presiden un
pasado que hay que orear para que no se pudra el recuerdo. Por eso viene él, un
desconocido hasta ahora, para ofrecer su verdad
del amor oscuro, para enriquecer los sucesos de rama quebrada de olivo,
para que no haya dudas ni en el pasado ni en el futuro prometeico. Y conociendo,
comprenderemos. Ya no habrá años perdidos y podremos afrontar la muerte cara a
cara. In memoriam, pero insuflando vida nueva.
Y ahora sí, todo traído con la
solvencia interpretativa de una Carmen
Maura contenida y resquebrajada en su personaje, que se va descubriendo a
sí misma en el espejo del ventanal que nunca mira. Y él, el novio de su hijo,
personaje de Félix Gómez, nostálgico
y aún amante, que quiere desenterrar lo que estaba callado y oculto, que quiere
volver a casa (como la golondrina), aunque esta nunca haya sido suya.
Guillem Clua, el autor de La golondrina, nos ofrece un texto hecho de tierra y realidad, situación de algo común, desgraciadamente, que sigue pasando, pero que precisamente quiere esclarecer para que no siga ocurriendo. No más oscuridades. Y, como siempre, Josep María Mestres dirige con sensibilidad y momentos agridulces estos trozos de vida para recomponerlos y que salgamos del teatro con el corazón emocionado y mucho más transparente.
Pues tienen razón. No te creas
nada de lo que te cuentan, o al menos ponlo en entredicho. Cuestiónalo,
pregúntate si no será mentira, o estará maquillado, o serán falsas verdades.
Porque nada es lo que parece o lo que parece puede ser otra cosa y, en definitiva,
para eso están la ficción y la imaginación que cada cual quiera echarle.
Pero, ¿a qué viene todo esto?
Pues que he asistido, realmente, a
una loca historia, no sé si de
Ben-Hur, o de Judá o de Ben-Jur o de Cristo o de Jesús o de Yavé o de romanos y
judíos o de latinos (por La Latina)
o de madrileños que somos poquitos, o de teatro o de cine o de risa o de La
Biblia.
Ingenio es lo que hay. Y talento.
A raudales. Desde el texto, magníficamente unido, relatado, construido,
contado, de Lewis Wallace y Nancho Novo
que le da una vuelta, o dos, o tres, a la historia tan conocida por repetida, que
la admitimos como real. Pero su pluma, (la de escribir, que no sé si tiene
otra), retuerce el retruécano dándole la vuelta y nos sirve una comedia
intrépida y muy divertida, llena de gags y de guiños, repleta de sabiduría y
cultura, (no se asusten por estas palabras tan sesudas y temidas, (la cultura
no se come a nadie, paréntesis sobre paréntesis)), y nos traslada a una época
histórica que creemos conocer y ni p… idea.
Para ello, colaboran con su
sentido del humor tridimensional, los de Yllana
en la dirección y producción que juegan, se divierten, imprimen ritmo,
interactúan con el público, manchan las paredes (figuradamente, “niño, eso no
se hace”), se ríen de su sombra y nos lo hacen pasar de historia (suspensa).
Cuentan para ello con un elenco
en el corazón y en el escenario, entregados, desbordantes, simpáticos, niños
revoltosos, salidos de madre (que no les hace falta), y encima, unos de otros,
(no, perdón), encima bien coordinados, cómplices, inspirados por trabajadores y
bien preparados. Agustín Jiménez, (no puedo evitar equipararlo con el gran Cassen),
cada vez que lo veo me sorprende más, llena con su sola presencia el escenario
y lo borda el tío como si estuviera comiendo caramelos. Elena Lombao y María Lanau, reivindicativas, sensuales,
entusiastas, magníficas, imprescindibles. Víctor
Massán y Fael García, que son, hacen, están, y todos los verbos de acción
dramática cómica con la soltura del buen hacer sin tiquismiquis. Y Richard Collins-Moore, ¡dios!, poeta,
cantante, centurión, rey, lo que quiera con desparpajo y simpatía a borbotones.
Todo ello en Teatromascope, es decir, escenografía en imágenes con elementos
cinematógráficos y teatrales de siempre.
La loca, loca historia de Ben-Hur, si quieren pasarlo en grande, Ben-Hur a tope.
Como si de un menú degustación se
tratara, nos ofrecen estos tres platos suculentos, que nos dejarán diversas
sensaciones en el paladar y en las emociones.
En el texto de Neil Labute, hay un primer plato que
ellos denominan Entrante Romance, y
ya ahí empezamos a darnos cuenta de que los dos personajes ni se dijeron todo
lo que debieran, ni se lo van a decir ahora, aunque sí es verdad que algo
cuentan. No hay maridaje en estos personajes. Él quiere ser la salsa, pero ella
es una especia picante.
Podría parecer que el segundo
plato es el principal, el nudo, el que nos va a acabar de llenar. Y, es cierto que
se deja comer de forma sabrosa, con elementos sorpresa, y distendidamente,
aunque lo que ocurre nada tiene de fiesta. Este sí que es un plato a compartir
entre tres, aunque hay un personaje que lo que quiere todo. Lógicamente, la
comida acabará desparramada al igual que los sentimientos de los personajes.
Pero, en el postre, lo que debiera
ser dulce, en realidad es amargo, se quitan las ganas de comer, el estómago
está lleno y el corazón acelerado, es insostenible mantener la buena educación
y las formas, se producirá el auténtico clímax de la obra, y además aderezado
con una sorpresa que nos deja a todos anonadados porque no lo esperábamos y,
definitivamente, el almuerzo será para siempre inolvidable.
Cosas que dijimos hoy,
pero cosas que nos hemos callado, cosas que no debieron decirse, cosas que
pensamos y después de decirlas nos arrepentimos, cosas que cuesta decir, cosas
que cuesta más escuchar. ¡Qué cosas!
Los tres actores, Alba Sánchez, la única que repite en
las tres historias y, desde luego, mostrando tres registros muy diferentes. Agustín Mateo y Llorenç Miralles, excelentes comensales, ajustados, intensos, bien
condimentados en su interpretación, bajo la dirección de Chema Coloma, que marca los ritmos de cocción para que el menú de
esta historia nos llegue bien caliente.
Acomodémonos en esta mesa
teatral, ellos serán los magníficos maîtres.
Acercar a los clásicos a nuestros
días. O que nosotros nos acerquemos a los clásicos. Son 400 años, pero no
estamos tan lejos. En realidad, nada queda lejos ni cerca si nos aproximamos
con ternura, con asombro, con decisión, con el cariño necesario. Es verdad, que
algunos temas podrían quedar un poco distantes y obsoletos, pero seguro que
encontramos puntos en común, asuntos no tan trasnochados.
En el caso de El
desdén con el desdén de Agustín
Moreto, se trata un tema de rabiosa actualidad, como dirían en un
telediario. El tema de las relaciones de parejas, el de intentar conseguir el
amor y el favor de otra persona, pero, en esta ocasión, desde el desdén, desde
el desprecio, el no hacer caso para que me haga caso, el llamar su atención
provocando celos, negando lo que estoy sintiendo, fingiendo, disimulando,
haciéndose el interesante, sin suplicar para encontrarnos.
Y Moreto lo hace con una habilidad en el lenguaje y en las situaciones desbordantes de ingenio. Retruécanos, décimas, sonetos, se suceden con la naturalidad de quien hablara en prosa cuando lo hace en verso.
Y Carolina África en la versión e
Iñaki Rikarte en la dirección nos
trasladan a un tiempo mucho más cercano, aunque también, quizás, indeterminado.
Y no chirría ni está desajustado. Al contrario, con una habilidad de artífice
contemporáneo, juega, que es en definitiva lo que hacen los personajes. Juegan
entre ellos con los sentimientos, pero, al fin y al cabo, saldrán bien parados.
De esta manera, se nos hacen cercanos. Y nos reímos y nos identificamos.
Ritmo acompasado de frescura
mediática, el texto casi se mantiene intacto, aparecen esos elementos humanos
de pasión y desenfreno, de comedimiento y engaño, de soledad y necesidad de
estar acompañado, de atención y desdén al mismo tiempo. Que te den, en lenguaje cotidiano.
La Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico en sus jóvenes actores
van tomando el relevo, hacen del verso algo cotidiano, del barroco algo
contemporáneo, de asistir al teatro algo lúdico y necesario.
No voy a despotricar de manadas e
indeseables machitos. No quiero llegar a ninguna parte, porque mi escrito no
tiene el valor inaudito de una sentencia injusta y sin sentido. Pero sí
pretendo acordarme de la única víctima de este cruento delito. El infierno es
lo que vivió, ¡malditos! Sus labios ya no volverán a sonreír y sentirá en su
cuerpo lluvia de lodo, dolor infinito. No, la justicia no es igual para todos,
por mucho que salgamos a gritarla por los caminos.
En Jauría, textos extraídos
de las declaraciones en el juicio por agresión sexual a una muchacha de 18 años
por cinco lobos hambrientos de sexo, Jordi
Casanovas construye un teatro de
Documento. No juzga, no opina, no define sus propios sentimientos. Lo que
se oye, lo que se dice, lo que ocurre, es lo que pasó, lo que sintieron los
protagonistas, lo que sentimos nosotros al verlo.
Jauría
Miguel del Arco dirige esta difícil puesta en escena. No por sus
complicaciones técnicas, pero sí interpretativas, sí de vísceras emocionales,
sí de delicadeza y, al mismo tiempo, desgarro, realidad, fuerza mediática,
justicia, hechos delictivos.
“Yo no pensaba que iba a suceder lo que luego sucedió”, repite
varias veces la víctima, y aunque lo hubiese pensado, ¿habría salido indemne?
Posiblemente no, pero esto es una opinión personal, porque cuando la manada,
actuando en grupo, huelen que la serotonina se descontrola y los efluvios de
testosterona se disparan, ya son imparables. Cuando abusan de su poder de
acorralamiento.
Los seis intérpretes, me imagino
que haciendo acopio de profesionalidad, van pasando por los distintos estados
de agresividad, diversión, sorpresa, temor, repulsa, chanza, recuerdos. Ellos
buscan defenderse, ella solo quiere que reluzca la verdad. “Yo sí te creo”,
gritaron en la calle. Fran Cantos, Álex García, Ignacio Mateos, Martiño Rivas,
Raúl Prieto y María Hervás, sí hacen creíble este tremendo documento. Sin
escatimar gestos, silencios, palabras, actitudes, movimiento de manada,
desvalimiento.
Nos sobrecoge desde el primer
momento. Como debe de ser. Porque la vida está ahí fuera con hechos iguales a
este, o parecidos, constantemente, demasiado frecuentemente. Y este teatro no
deja de ser testimonio de eso. Teatro real, porque además del que es de
entretenimiento, este teatro también debe tener su hueco.
